Actualizado el domingo, 22 enero, 2023
La música callejera ha existido durante siglos, pero solo recientemente se ha convertido en una forma popular de entretenimiento. Sus orígenes se remontan a la Edad Media cuando los trovadores solían entretener a la gente con sus actuaciones musicales en plazas públicas y mercados. Con el paso del tiempo, la música callejera evolucionó de ser solo una forma de entretenimiento a convertirse en una parte importante de muchas culturas alrededor del mundo. Desde canciones folclóricas tradicionales hasta hip-hop y rap modernos, la música callejera ha recorrido un largo camino y sigue siendo disfrutada por personas de todo el mundo.
Proyecto social de músicos callejeros
Quizás porque soy músico este video me emociona e inspira especialmente. Se trata de un grupo de artistas callejeros que no se conocen entre sí pero que se han unido para dar vida a esta maravillosa versión de la canción de Ben E. King demostrando que la música puede ser un excelente conector que no entiende de diferencias. Y con esta verdad firmemente los creadores de este vídeo se dispusieron a compartir su obra con el mundo:
«Cuando llegue la noche
y se oscurezca la tierra
y la luna sea la única luz que veamos
No tendré miedo, no tendré miedo
mientras estés conmigo»
Treinta y siete músicos callejeros de diferentes partes del mundo mundial dieron luz a esta versión del clásico Stand by Me.
La canción comienza con Roger Ridley. Ha sido a menudo llamado “La voz de Dios” por los otros músicos callejeros en la 3rd Street Promenade en Santa Mónica (California).
La música tiene el poder universal de trascender y unirnos. Un día mientras caminaba por esa calle, Mark Johnson le escuchó cantar. Se sentó junto a él y se dio cuenta de que la voz, el alma y la pasión de Roger tenía que ser compartida con el resto del mundo.
Así nació Playing For Change, un movimiento multimedia creado para inspirar, conectar y transmitir el sentimiento de paz al mundo a través de la música. La idea de este proyecto surge de la creencia de que la música tiene el poder de romper los límites y superar las distancias entre las personas.
Los impulsores de Playing For Change construyeron un estudio de grabación móvil y viajaron con él a donde la música los llevó. La música es ciudadana del mundo, habla en todos los idiomas, está en boca de todos, deambula a pie, vive en las calles, duerme bajo el cielo estrellado y también cada noche a tu lado.
Sintoniza el ritmo de la música popular moderna
La música es siempre un reflejo de la sociedad y los tiempos. Cuando los esclavos en el sur de Estados Unidos cantaron canciones de trabajo, sus melodías reflejaron las dificultades de sus vidas y la injusticia del mundo en general. Y cuando, en la década de 1970, Emerson, Lake y Palmer dejaron sonar los acordes de su órgano Hammond, estos sonidos futuristas señalaron la inevitable y continua integración de la tecnología en la música.
La música interactúa, cambia y se desarrolla con la sociedad, y específicamente con el surgimiento de nuevas tecnologías, leyes y tendencias. Pero debido a que las sociedades están moldeadas en gran medida por intereses económicos, la música también tiene mucho que ver con los negocios.
Estas claves musicales lo guiarán a través de la historia y el negocio de la música popular moderna. Bailarás al ritmo de los clásicos de la máquina de discos, entrarás en los clubes de jazz de Chicago y Nueva York y te unirás a las masas en Woodstock.
El negocio de la música moderna dio sus primeros pasos con la invención de la ley de derechos de autor y el tocadiscos.
La música ha existido de una forma u otra durante milenios. Y, sin embargo, en el gran esquema de las cosas, fue solo recientemente que las canciones comenzaron a verse como propiedad individual, en lugar de común.
Esta distinción surgió con las primeras leyes de derechos de autor, que no solo crearon una nueva rama del sistema legal, sino también un nuevo mercado editorial para canciones.
Comenzó en 1710 cuando el tribunal de justicia británico reconoció por primera vez que los autores tenían derechos sobre lo que escribían. De repente, los autores ahora eran dueños de su trabajo y obtenían regalías por cada venta.
Esto llevó a la primera editorial de música, Chappell & Co., que se fundó a principios del siglo XIX después de que el propietario de una tienda de pianos, Samuel Chappell, uniera fuerzas con el famoso pianista Johann Baptist Cramer. Pronto estaban recolectando, publicando y vendiendo partituras de Cramer al público.
Naturalmente, no pasó mucho tiempo antes de que otros se dieran cuenta de que publicar partituras era una forma más fácil y rentable para que los artistas ganaran dinero que tocar en conciertos. Y al público en general le encantó porque podían comprar la partitura, tocar las canciones en sus hogares y escuchar música a la que nunca tendrían acceso de otra manera.
Pero el mundo de la edición musical realmente explotó a finales del siglo XIX, cuando una innovación conocida como fonógrafo abrió las puertas a una nueva fuente de ingresos.
En 1877, Thomas Edison produjo el primer tocadiscos comercial, lo que hizo posible que la gente tocara música grabada en sus hogares.
Para las editoriales, esto significaba que ahora podían desviar su atención de las partituras y centrarse en el mundo mucho más rentable de los discos.
La partitura podía durar años antes de que se desgastara y se estropeara lo suficiente como para que una familia comprara otra copia, mientras que un disco se reproducía y reproducía a tal velocidad que comprar otro era prácticamente inevitable.
Irving Berlin revolucionó la música popular cambiando su ritmo
En la era actual del acceso instantáneo a la música, puede ser difícil recordar o incluso imaginar la emoción de llevar un disco a su hogar por primera vez. Pero cuando el público comenzó a comprar discos para escuchar en casa en cantidades masivas, la industria de la música explotó; en poco tiempo nació la música pop.
También surgieron muchas nuevas estrellas del pop, y con canciones como «Blue Skies», «What I’ll do?» y «Always», Irving Berlin pasaría a ser considerado el cantautor estadounidense por excelencia.
Nacido en 1888 como Israel Isidore Berlin, su familia se fue de Rusia a Estados Unidos cuando él tenía solo tres años. Su padre murió cuando tenía ocho años, lo que lo llevó a irse de casa con poco más que el sueño de ser cantante en cafés.
Fue un comienzo difícil: mientras vivía en la calle, encontró un salario escaso vendiendo periódicos y haciendo trabajos ocasionales, lo suficiente para ganar una habitación en un almacén abandonado por 15 centavos la noche.
Pero su amor por la música nunca vaciló, y pronto comenzó a escribir sus propias canciones, una de las cuales, «Dorando», lo puso en el camino hacia el estrellato.
Siguió una serie de éxitos, incluida una melodía relativamente picante sobre una agradable chica judía que se convierte en stripper, volviendo loco a su celoso novio.
Estas canciones le valieron a Berlin un contrato permanente con la editorial Ted Snyder, que fue cuando decidió cambiar su nombre por el de «Irving» Berlin, que suena más pegadizo.
Sin embargo, los primeros esfuerzos de Berlin palidecieron en comparación con su éxito de 1911 «Alexander’s Ragtime Band», que cambiaría para siempre el sonido de la música pop.
Lo hizo mezclando diferentes elementos de la música estadounidense, incluida la trompeta de la banda de música militar, con el sonido del jazz y el ragtime de Nueva Orleans, lo que lo hizo atractivo para el público blanco y negro.
En particular, fue el ritmo de esta canción lo que realmente transformó la música popular.
Antes de «Alexander’s Ragtime Band», las canciones que se basaban en una estructura de cuatro tiempos usaban un ritmo «en tiempo» que enfatiza el primer y tercer tiempo (boom, bap, boom, bap, etc.). Pero la canción de Berlin invirtió eso, usando el ritmo “fuera de ritmo” de Nueva Orleans que enfatiza el segundo y cuarto tiempo (bap, boom, bap, boom, etc.).
Este ritmo vendría a definir el futuro de las canciones pop estadounidenses.
Los artistas judíos y negros prosperaron en el negocio de la música
A pesar de su popularidad a principios del siglo XX, gran parte de la población anglosajona del país no consideraba que el negocio de la música fuera una línea de trabajo respetable. Así que se dejó a los forasteros del país impulsar la industria.
Los artistas negros pudieron ganarse la vida llevando canciones de jazz a clubes nocturnos de todo el país, lo que ayudó a que el género creciera en popularidad.
Entre 1910 y 1930, muchos músicos negros se destacaron a medida que la música de jazz viajaba desde Nueva Orleans al resto del país. Duke Ellington y Louis Armstrong fueron solo algunos de los muchos músicos que encontraron el éxito y ayudaron a elevar el perfil de la música.
A medida que los músicos de jazz recorrían el país, también comenzaron a firmar acuerdos de grabación y publicación, que difundieron aún más su música. Y con el dinero que ganar, cada vez más artistas negros abandonaban el sur para encontrar el éxito en las ciudades del norte de Nueva York y Chicago.
Los judíos también tenían opciones limitadas para un trabajo próspero, pero en el negocio de la música, encontraron dos roles de este tipo: como propietarios de compañías editoriales y como compositores, como George Gershwin.
Como tales, fueron algunos de los primeros en publicar y grabar las canciones de artistas negros, lo que, a su vez, influiría en las canciones compuestas por compositores judíos.
Después de la Primera Guerra Mundial, la mayoría de los compositores eran judíos y la mayoría de las canciones populares incorporaron elementos de la cultura negra, ya sea a través de la música jazz o blues, que se originó a partir de las canciones de trabajo de los esclavos del sur.
Uno de los mayores éxitos de esta época fue “Memphis Blues”, que ha sido grabado e interpretado por innumerables músicos famosos a lo largo de los años.
La llegada de la radio asustó inicialmente a la industria de la música, pero pronto se hizo evidente su potencial
Siempre es difícil predecir exactamente cómo un invento impactará al mundo, especialmente con algo tan innovador como la radio.
De hecho, cuando se comercializó por primera vez a principios de la década de 1920, este dispositivo revolucionó la industria de la música.
Por primera vez, las familias tenían una alternativa barata al tocadiscos y no necesitaban una gran colección de discos para poder escuchar diferentes tipos de música todo el día. Ahora, puede cambiar la frecuencia para escuchar diferentes estilos y descubrir nuevos artistas.
Al principio, esto presentó un problema: hubo una disminución en las ventas de discos y los ejecutivos en pánico se preocuparon de que si la gente tuviera una radio, ya no comprarían discos para escuchar sus canciones favoritas.
Pero esta caída en las ventas fue solo temporal. No pasó mucho tiempo antes de que la industria de la música reconociera la radio por lo que era: una gran herramienta de marketing.
En lugar de ver la radio como una competencia para los discos o las partituras, la industria de la música se dio cuenta de que podía usarla para impulsar nuevos productos al público y convencerlos de que compraran discos ofreciendo muestras de música nueva y emocionante.
Fue entonces cuando los editores comenzaron a trabajar mano a mano con los DJ de radio.
Como su nombre lo indica, los DJ son disc jockeys , en el sentido de que hacen jockey o dirigen al público hacia ciertas canciones o álbumes.
De repente, fue evidente que la industria de la música tenía un arreglo perfecto para que el público se enganchara a una canción y estuviera desesperadamente ansioso por comprar el álbum en las tiendas.
Después de la Prohibición, la industria de la música creció a medida que los bares, clubes y Hollywood generaban nuevas fuentes de ingresos
Durante 13 años, Estados Unidos intentó prohibir la producción, distribución y consumo de alcohol.
Gran parte de la nación levantó una copa cuando la orden fue derogada en 1933, incluida la industria de la música, que estaba feliz de forjar un acuerdo mutuamente beneficioso con el negocio de las bebidas alcohólicas.
Después de la Prohibición, el número de clubes nocturnos y bares se multiplicó por cinco, y aunque algunos de ellos ofrecían música en vivo, casi todos presentaban un invento reciente: la máquina de reproducción de discos conocida como jukebox.
El nombre extraño proviene de la jerga «jook», que, en la cultura negra del sur, era otra palabra para «fiesta».
Esta máquina podría animar cualquier establecimiento, ya que contenía decenas de discos con canciones que podían reproducirse a pedido por un pequeño cambio. Y cada dos o tres semanas, se actualizaría con nuevas melodías.
Esto no solo animó a los clientes a comprar más discos; con 250.000 máquinas de discos en los Estados Unidos en 1934, llenar estas máquinas representó más de la mitad de todas las ventas récord en el país.
Al mismo tiempo, hubo otro factor crucial en la creciente prominencia de la industria de la música: Hollywood.
Justo cuando la Prohibición se desvanecía en un recuerdo borroso, los musicales se estaban volviendo cada vez más populares, una tendencia que fue liderada por el gran éxito de 1933 en la calle 42 y el éxito de taquilla de 1935, Top Hat .
Un hombre que supo sacar provecho de estos musicales fue Irving Berlin, que se quedó con los derechos de sus canciones en lugar de venderlas a los estudios.
Esta medida mantendría el ingreso de dinero cada vez que se proyectara una película con su canción, por lo que no importaba que la gente comenzara a gastar su dinero en películas en lugar de ir a clubes nocturnos o comprar discos.
Después de la Segunda Guerra Mundial, la música se volvió más internacional, centrándose en bandas de rock y discos de larga duración
La siguiente gran sacudida en el negocio de la música ocurrió después de la Segunda Guerra Mundial cuando hubo un aumento en el intercambio de música y cultura entre los Estados Unidos y el Reino Unido. En Estados Unidos, esto condujo a lo que se conoció como la «invasión británica» de la música, con jóvenes de todo el país sucumbiendo a la «Beatlemanía».
Los Beatles encabezaron las listas estadounidenses por primera vez en 1962 con «Please Please Me», que fue seguida rápidamente por «From Me to You» y «She Loves You».
Sus canciones estaban bien escritas y eran pegadizas, y los éxitos seguían llegando; su popularidad se disparó aún más cuando finalmente aterrizaron en su primera visita a Estados Unidos.
Poco después, un estilo de canciones completamente nuevo comenzó a ganar popularidad, uno que fusionó aún más los elementos del rock and roll con el blues que se había originado con los músicos negros.
Mientras tanto, la industria de la música aumentó la popularidad de los Fab Four al cambiar su enfoque en cómo empaquetar y vender discos y bandas.
Antes de la década de 1960, el enfoque estaba en la venta de sencillos, pero ahora toda la idea de grabación y venta comenzó a enfatizar álbumes de larga duración. Como tal, la industria de la música se hizo conocida como la industria discográfica.
Los diversos sellos editoriales comenzaron a reservar estudios y a contratar talentos para grabar un disco completo, en lugar de solo una o dos canciones.
Y con el éxito de The Beatles, la industria de la música vio con qué entusiasmo los fanáticos abrazaron a un grupo reconocible de tres a cinco músicos, por lo que cambiaron a este modelo del gran conjunto de jazz.
Parte de este nuevo modelo de banda pequeña significó hacer coincidir la imagen y personalidad del grupo con su música de una manera que los hiciera agradables para los fanáticos.
Durante los años siguientes, la “invasión británica” continuó con más bandas provenientes del otro lado del charco, como The Who, Cream, Traffic, Blind Faith y Led Zeppelin, y la escena musical popular se volvió mucho más blanca como resultado.
Dos festivales en 1969 ofrecieron importantes lecciones sobre música en vivo
Dos conciertos a finales de los sesenta cambiaron el rostro de la música popular por motivos muy diferentes.
El primero fue el legendario festival de Woodstock, que, después de una planificación considerable, se llevó a cabo durante tres días en el verano de 1969.
Siguió adelante con la bendición de la industria discográfica, bajo el supuesto de que los fanáticos comprarían boletos y habría la seguridad adecuada. Lamentablemente, ninguno de estos sucedió realmente, ya que 180,000 fanáticos recorrieron las tierras de cultivo en la parte superior de Nueva York que encontraron muchos huecos en las vallas y pasaron un buen rato en gran parte sin supervisión.
Las únicas muertes reportadas fueron una sobredosis de heroína y el caso de un visitante que se quedó dormido en un parche de hierba alta y fue atropellado por una cosechadora.
El amor libre y las vibraciones pacíficas en Woodstock no se encontraban en el otro lado del país unos meses después, cuando el Concierto Gratis de Altamont en San Francisco terminó trágicamente.
El concierto fue organizado por The Rolling Stones en 1969 como un gran final de su gira por Estados Unidos.
El evento planeado apresuradamente se llevó a cabo en Altamont Speedway, y por seguridad, pagaron a un capítulo local de la banda de motociclistas Hells Angels $ 500 en cerveza.
A diferencia de Woodstock, 300.000 personas asistieron a este espectáculo gratuito de un día y, a medida que avanzaba el día, más y más personas se estaban drogando con drogas y alcohol, incluidos los Hells Angels.
Después de una serie de intentos por parte de los fanáticos de subir al escenario, los Hells Angels se volvieron violentos y un altercado terminó con Meredith Hunter, un hombre negro de 18 años, muerto a puñaladas. Al final, hubo otras tres muertes, así como una serie de heridos y daños materiales.
Estos eventos ofrecieron lecciones importantes para la industria de la música. Estaba claro que había una audiencia para los grandes festivales y que podían ser rentables, siempre que estuvieran debidamente planificados.
A lo largo de los años, muchas subculturas musicales alcanzaron una gran popularidad, aunque a menudo se asociaban con las drogas
Desde que ha existido la música, ha habido diferentes estilos y géneros, e incluso subgéneros. Muchos de estos estilos se han asociado estrechamente con estilos de vida alternativos, algunos de los cuales permanecen clandestinos, mientras que otros se convierten en tendencias mundiales y cambian la industria de la música para siempre.
Muchos de estos mismos movimientos musicales se han asociado estrechamente con diferentes drogas.
Si bien la marihuana ha sido un elemento básico de la historia del rock and roll, fue especialmente frecuente durante el movimiento hippie de la década de 1960.
Aquellos que buscaban una patada más grande y mucho más peligrosa recurrieron a la heroína, que había sido una droga popular para muchos músicos de jazz, pero influyó en muchos otros artistas durante la década de 1970.
A finales de la década de 1980, la cultura rave clandestina fue alimentada por el éxtasis y la MDMA, y el movimiento también se convertiría eventualmente en una locura mundial.
La música electrónica de baile, especialmente dirigida por DJ en festivales de música en Ibiza y clubes en Nueva York o Londres, se adaptaba perfectamente a estas drogas. Los ritmos implacables hacían que los bailarines y los asistentes a la fiesta cayeran en un ritmo hipnótico; las drogas crearon una sensación de euforia, y todos se sintieron conectados, como si fueran parte de una ola que fluía y refluía junto con la música.
Otro movimiento que arrasó en el mundo fue el hip hop.
Este movimiento comenzó con los DJ que tomaron muestras de música de discos publicados anteriormente, utilizando sus ritmos como telón de fondo para que los MC ofrecieran rimas líricas que a menudo hablaban de la cultura negra moderna.
La exitosa canción de protesta de 1988, «Fuck tha Police» de NWA, que significa Niggaz Wit Attitudes, a menudo se identifica como el momento en que el rap se volvió popular.
La canción es también un ejemplo perfecto de cómo el público percibía el rap como una salida musical no violenta para toda una generación de negros marginados en los Estados Unidos.
Con el tiempo, también se convertiría en el modo de música favorito de las personas marginadas de todo el mundo.
Compartir archivos de música a través de Internet requería que la industria musical desarrollara un nuevo modelo comercial
A medida que avanzamos en la lista de cambios importantes en la industria de la música, es posible que pueda adivinar hacia dónde se dirige. Así es, la ola de cambio más reciente en la industria comenzó cuando la música llegó a Internet y los clientes pudieron transmitir cualquier canción con solo presionar un botón sin tener que salir de casa.
El gran punto de inflexión en esta revolución musical fue Napster, que fue fundada en 1999 por un par de universitarios con los nombres de Shawn Fanning y Sean Parker, quienes crearon una plataforma en línea para compartir y descubrir nueva música.
Pero no hubieran podido hacer esto sin el software y los formatos de archivo adecuados, que fueron creados en los años 80 y 90 por ingenieros que descubrieron cómo comprimir una canción en un archivo relativamente pequeño y compartible. Así es como nació el archivo mp3 y este desarrollo clave abrió la puerta para que los archivos de música se carguen, descarguen y compartan fácilmente en línea.
Ahora, cualquier persona con una conexión a Internet podría evitar pagar el precio de un CD iniciando sesión en Napster. Siempre que aceptaran compartir su propio archivo de música, recibirían acceso a los archivos combinados de todos los demás usuarios, que, con más de 50 millones de usuarios en 2001, constituían mucha música.
Con las ventas en caída libre, este fue un momento angustioso para la industria de la música, y se necesitaría otro invento para que la industria comenzara a recuperar el control de su catálogo de canciones.
En 2001, Apple lanzó el primer iPod, un dispositivo elegante y portátil que adoptó archivos de música digital en lugar de intentar luchar contra su existencia. Pero para acompañar esto, Apple creó iTunes y propuso la idea de vender canciones por 99 centavos cada una. Esta fue una gran caída con respecto al precio de $ 3.99 que los singles estaban buscando en las tiendas, pero como no hubo costos de empaque o distribución, la industria de la música finalmente lo siguió.
No se podía negar que mientras las ventas de CD se desplomaban, había un aumento constante en las ventas de música digital y la industria de la música estaba en camino de recuperar el control de lo que los tribunales les habían otorgado hace más de un siglo.
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