Por qué importa el diseño social

Why Design Matters (por Debbie Millman) es una colección de algunas de las mejores entrevistas del podcast de larga duración de Debbie Millman del mismo nombre. Recopila más de 50 entrevistas de más de 15 años de conversaciones. Estas charlas no solo explican por qué es importante el diseño, sino que también muestran cómo los principios del diseño social se extienden a la creatividad en general y las formas en que nos comunicamos y expresamos.

• Debbie Millman es diseñadora, curadora, artista y escritora. Fue directora de arte de la revista Print y socia y presidenta de la División de Diseño de Sterling Brands, donde trabajó en varias campañas de alto perfil. Desde 2005, presenta y entrevista a diseñadores y sus procesos creativos para su podcast Design Matters .

Inspírate con las palabras y la sabiduría de los gigantes creativos del diseño

Desde 2005, Debbie Millman se ha sentado regularmente con algunas de las mentes creativas más brillantes para hablar sobre sus vidas y su trabajo. Algunas de estas personas han sido jugadores importantes en el mundo del diseño gráfico, pero en estos días es tan probable que Millman se siente con un escritor o un director de Broadway como con una ilustradora o artista gráfica. Como pronto aprenderá, el diseño está en todas partes. Está en la página, está en el escenario y la pantalla, está en la ropa que usas y en el empaque de la comida que compras. El diseño se trata, en última instancia, de comunicar ideas. Es la materia del arte, la creatividad y la vida.

Si se suscribe al podcast de entrevistas de Millman, Design Matters , sabrá lo divertido que es escuchar las ideas de diseñadores, ilustradores, directores, compositores, fotógrafos, todo tipo de personas creativas. Discutiremos muchas de las ideas de los invitados de Millman aquí. Pero este artículo se deriva de un libro que se deriva de un podcast. Entonces, lo que no podremos hacer es reproducir la alegría de escuchar a los propios invitados. Sin embargo, lo que podemos hacer es darle algunas ideas clave sobre lo que hace que estos invitados sean tan creativos. Y para ello, nos hemos seguido haciendo estas dos preguntas a la hora de hacer este artículo: ¿Cuáles son los temas que tienen en común las mentes creativas? Y, por supuesto, ¿por qué importa el diseño?

En estos consejos de diseño, aprenderás

• cómo las limitaciones pueden despertar la creatividad;
• que el dibujo puede ser un lenguaje universal; y
• por qué deberías aprender a bailar con tus miedos.

El diseño importa porque el diseño es una herramienta poderosa para la comunicación

Si sabe algo sobre la historia del diseño gráfico, probablemente esté familiarizado con el nombre Milton Glaser.

Glaser es, de hecho, una de las leyendas del negocio, ya que cofundó la revista New York y diseñó algunas de las imágenes más icónicas de los años sesenta y setenta, incluido el logotipo “I Love New York”. Su nombre es sinónimo de diseño. Otra parte de lo que hace que Glaser sea una figura tan legendaria es que también ha pasado mucho tiempo pensando en por qué es importante el diseño. De hecho, escribió un influyente artículo titulado “12 pasos en el camino del diseñador al infierno”.

En él, Glaser enumera muchas de las decisiones difíciles que los diseñadores deben tomar en el transcurso de sus carreras. Estas son decisiones tan importantes que Glaser considera que cada una es un paso hacia o fuera del infierno. ¿Por qué? Bueno, todo se reduce al simple hecho de que un diseñador se comunica con el público. Todo, desde un cartón de leche hasta una campaña presidencial, contiene elementos de diseño que fueron pensados ​​por alguien. Y, como todos sabemos, algunos de estos diseños están hechos para tergiversar intencionalmente. Tal vez tienen la intención de hacer que el producto se vea más grande en el estante o que sean más saludables de lo que realmente son. Tal vez el producto prometa resultados que usted sabe que son completamente falsos. O tal vez el producto se crea con trabajo infantil o es dañino de otras maneras, o incluso potencialmente mortal cuando se usa incorrectamente. Así que la pregunta se convierte en, ¿dónde está tu línea? ¿En qué nivel de tergiversación se negaría a participar? ¿Qué mentiras no dirás para vender una idea o un producto?

En resumen, el diseño importa porque los diseñadores saben mucho sobre las herramientas de comunicación. El diseño puede manipular las mentes y ser persuasivo tanto para bien como para mal. El trabajo de un diseñador puede hacer que quieras hacer ejercicio o fumar cigarrillos.

Hoy en día, esto es quizás más problemático que nunca. En la década de 1960, Glaser hizo su carrera siendo un alborotador de la contracultura. Pero ahora, la política, las corporaciones y los medios se han entrelazado tanto que ser un alborotador probablemente resulte en el tipo de problemas que simplemente dañarán su carrera, no la ayudarán.

Sin embargo, los diseñadores tienen el conocimiento y las herramientas para ayudar. Saben cómo comunicarse de maneras que la persona promedio no sabe. Y la conclusión a la que llega Glaser es que deben ser buenos ciudadanos y usar esas herramientas para publicar, reaccionar ante lo que sucede, crear manifiestos, publicar su trabajo en las calles, llegar al público y cambiar corazones y mentes para mejor.

Curiosamente, los pensamientos de Glaser se repiten en otra leyenda en el campo del diseño gráfico, Steven Heller, quien pasó 30 años como director de arte para el New York Times . Millman ha realizado 14 entrevistas diferentes con Heller a lo largo de los años. Uno de los momentos clave de esas muchas entrevistas es cuando Heller explica su filosofía personal de diseño y por qué no siguió una carrera en publicidad o marca. Para Heller, el diseño siempre debe servir a un propósito social.

Las leyendas del diseño hablan de la importancia de la persistencia y de seguir aprendiendo

Entonces, ahora que hemos ampliado nuestra idea de diseño y tenemos una idea de lo importante e influyente que puede ser, cambiemos de marcha y veamos qué hace funcionar a algunas de las mentes creativas más brillantes de la actualidad.

Milton Glaser es, por supuesto, una de las personas que Millman considera una “leyenda”. Pero también lo son personas como la diseñadora Paula Scher, la novelista gráfica Alison Bechdel, los escritores Eileen Myles, Anne Lamott y Seth Godin, y el fotógrafo Albert Watson.

Todos tienen su propia historia, un viaje único que los llevó a encontrar una voz poderosa y creativa única. Sin embargo, a menudo estos viajes no siguen un camino recto. No son las historias tradicionales de “ir a la universidad, conseguir un trabajo, tener éxito”. En cambio, implican una crianza caótica, superar el miedo, correr grandes riesgos y un poco de suerte, el tipo de suerte que creas al ser persistente y ponerte en el lugar correcto en el momento correcto.

Considere al escritor Seth Godin. Hoy es un autor de gran éxito de ventas y uno de los empresarios más influyentes de Estados Unidos. Como muchos de nosotros, cuando tenía veinte años, estaba pasando por períodos de desempleo e incertidumbre sobre de dónde vendría su próximo cheque de pago. En la estimación de Godin, en un momento temprano de su carrera estuvo a dos semanas de la bancarrota y vio una pila de 900 cartas de rechazo.

¿Qué mantuvo a Godin en marcha? Como él dice, después de dejar la casa, continuó criándose “en una cultura y un ambiente de generosa persistencia”. Piense en eso por un segundo. Persistencia generosa. Lo que Godin es capaz de hacer es separar sus ideas de sí mismo. Si alguien rechaza su idea, no siente que lo estén rechazando personalmente. También es capaz de ver lo que sea que esté tratando de vender como algo que vale más de lo que cuesta. De esta manera, nunca le está pidiendo un favor a alguien y ser rechazado, le está haciendo un favor al hacer la oferta.

El miedo es lo que a menudo se interpone en nuestro camino para hacer lo que amamos. Tal como lo ve Godin, debemos acercarnos un poco más a nuestro miedo, idealmente a una edad más temprana. Aprende a reconocerlo cuando aparece, reconócelo, date cuenta de que no es algo que va a desaparecer algún día y aprende a bailar con él en lugar de tratar de esconderte de él. Así es: aprende a bailar con tu miedo. Suena bien, ¿no?

Algunas de las Leyendas también mencionaron el tiempo: el tiempo que lleva encontrar tu voz y tu oficio, y cómo nunca dejas de aprender, siempre que tengas tiempo por delante. El fotógrafo Albert Watson saltó a la fama en la década de 1970, cuando tenía treinta y tantos años, gracias a algunas fotos icónicas para revistas como GQ y Rolling Stone, y una foto particularmente memorable de Alfred Hitchcock sosteniendo un ganso muerto por el cuello para la edición navideña de El bazar de Harper . Watson dice que le tomó alrededor de 14 años de esfuerzo constante antes de sentir que había dominado su oficio lo suficiente como para poder tener una idea y llevarla a cabo de una manera que se sintiera bien. Incluso ahora, cuando se acerca a su 80 cumpleaños, Watson siempre está ansioso por probar cosas nuevas y seguir aprendiendo.

Algunos artistas trabajan arduamente para tratar de decir la verdad al poder y lograr un cambio social positivo

Pasemos al segundo grupo de sujetos de la entrevista: los “contadores de la verdad”. Este grupo incluye luminarias como los autores Carmen Maria Machado, Tim Ferriss y Brené Brown, el periodista Anand Giridharadas, el ilustrador Edel Rodríguez y los novelistas gráficos Chris Ware y Lynda Barry.

Si quisiéramos retomar ese hilo sobre el diseño al servicio de un propósito social, quizás no haya mejor ejemplo que el ilustrador Edel Rodríguez. Rodríguez llegó a Estados Unidos desde Cuba cuando era un niño de nueve años en abril de 1980. Fue uno de los 120.000 cubanos que huyeron de Cuba en ese momento cuando Fidel Castro abrió brevemente el puerto de Mariel luego de un período de intensas protestas en La Habana.

Rodríguez no hablaba nada de inglés, pero podía dibujar y siguió dibujando, incluso usó sus bocetos para ayudar a comunicarse con otros niños de la escuela en Florida. Finalmente, Rodríguez dejó Florida para asistir a la escuela de arte en Nueva York, trabajó para MTV y Penguin Books y se convirtió en director de arte de la revista Time .

Incluso si no conoce su nombre, es probable que haya visto sus ilustraciones. Su arte ha aparecido en la portada de muchas revistas, incluida una ilustración para Newsweek , titulada “Lo que Silicon Valley piensa de las mujeres”, que le valió un Premio Nacional de Revista. Pero más recientemente, sus portadas para las revistas Time y Der Spiegel , con representaciones estilizadas de Donald Trump, han provocado elogios y controversia. En particular, está la infame ilustración de Trump decapitando la Estatua de la Libertad.

Para esa imagen, Rodríguez se inspiró en los esfuerzos de Trump para prohibir que los musulmanes ingresen a los EE. UU., incluso aquellos que solo intentaban regresar con sus familias. Rodríguez se preguntó qué había pasado con el país que lo había acogido a él ya los miles de cubanos que buscaban refugio allá por 1980.

Del mismo modo, para el novelista gráfico Chris Ware, la empatía lo es todo. Si siente empatía por un grupo de personas o un país extranjero, es menos probable que los ataque. Cuanto más intente comprender lo que sienten los demás, menos probable será que sea combativo con ellos. Ware considera que la empatía es fundamental para la humanidad, pero en su trabajo extiende su empatía hacia todo. En su libro Building Stories , incluso el edificio de apartamentos donde se desarrolla la historia es un personaje, y uno por el que los lectores sentirán simpatía.

Al igual que Milton Glaser, Steven Heller y Edel Rodríguez, el trabajo de Chris Ware está, a su manera, ligado a un propósito social. Como dice Ware, él simplemente trata de reflejar el sentimiento de la vida tal como él la ha experimentado. Su empatía y amor por sus personajes es parte de un proceso de tratar de comprender cómo las personas resultan de la forma en que lo hacen y qué sucede cuando tratamos, a nuestra manera, de ser buenas personas.

La creatividad puede beneficiarse de la estructura y las limitaciones

En estos consejos de diseño, veremos algunas de las conversaciones en la sección “Creadores de cultura”. Esta colección incluye charlas con los músicos Nico Muhly y Erin McKeown, el cineasta Mike Mills, los diseñadores Michael Bierut y Cey Adams, los autores Malcolm Gladwell y Alain de Botton, y la pintora Amy Sherald.

A Debbie Millman le fascina la música. Para ella, crear una obra musical es un proceso misterioso, como hacer algo de la nada. Esto surge en la mayoría de sus charlas con músicos. ¿Cómo lo haces? ¿Cómo te sientas y sacas una canción del éter?

Nico Muhly hace todo tipo de música: piezas de cámara, obras orquestales, así como música para óperas, ballets y películas. Una de las inspiraciones de Muhly es la música de iglesia. La música de la iglesia en realidad no llama la atención sobre sí misma. No es autorreferencial. Cuando termina una pieza musical que se toca en una iglesia, el ejecutante no hace una reverencia, el público no aplaude. Tanto el compositor como el intérprete desaparecen esencialmente. A Muhly le gusta esta idea. Quiere que su música encaje perfectamente y complemente un entorno, no que se destaque.

Al mismo tiempo, le gusta trabajar dentro de una estructura que le permita ser aventurero. Como él dice, cuando cuelgas tu arte en una estructura familiar y sólida, tienes más espacio para ser “extraño y estilizado”. Para ayudar a explicar, hace una analogía con la comida. A algunas personas les gusta seguir una receta estricta. Cortan y miden 100 ingredientes diferentes con anticipación y siguen todos y cada uno de los pasos para lograr un resultado ambiciosamente impresionante y delicioso. No hay nada de malo en ese enfoque, pero a Muhly también le gusta comprar seis ingredientes que se ven bien, llevárselos a casa y descubrir qué cosas nuevas y emocionantes puedes crear con ellos.

En cierto modo, el diseñador Michael Bierut se hace eco de algunas de estas ideas. Como socio de la firma de diseño Pentagram, Bierut ha estado a la vanguardia del diseño moderno, trabajando para clientes tan diversos como Harley-Davidson y la revista Atlantic . Desde su perspectiva, una de las peores asignaciones que puede obtener es “haz lo que quieras”. Necesita parámetros, limitaciones. En otras palabras, preferiría verse obligado a trabajar con unos pocos ingredientes que con cien. Si no hay un desafío divertido involucrado, rechazará el proyecto.

Bierut incluso ofrece una analogía musical para describir su filosofía. Realmente admira al equipo de compositores de Motown formado por Lamont Dozier, Eddie Holland y Brian Holland. En las noches y los fines de semana, este trío tocaba música de jazz despreocupada en los clubes nocturnos. Durante el día, eran compositores asalariados que producían melodías para Motown Records. Estaban haciendo lo que podría llamarse trabajo de “hackeo”. Tal vez no fue tan experimental y creativo como querían ser: tenían que trabajar dentro de los parámetros de la marca Motown. Pero eventualmente, crearon una notable serie de éxitos entre los diez primeros, como “Dancing in the Streets”, “Stop In the Name of Love” y “You Keep Me Hanging On”. Todas estas son canciones que continúan encantando a los oyentes décadas después e inspirando a personas como Bierut.

También como Nico Muhly, el diseñador Cey Adams no hace el trabajo para pararse bajo un foco y hacer una reverencia. Fue el director de arte fundador de Def Jam Recordings, creando portadas de álbumes icónicos para Public Enemy y Beastie Boys, antes de continuar su carrera con compañías como Nike y HBO. Desde el principio, ha definido un trabajo exitoso como algo que ayuda a los músicos o al producto a brillar. No se trata de él, se trata del trabajo y de poder pasar felizmente al siguiente.

Puede superar los problemas haciendo el trabajo y haciendo las preguntas correctas

Hemos alcanzado el consejo de diseño número cinco, lo que significa que es hora de sumergirse en la categoría de “Tendencias”. Una vez más, este es un grupo ecléctico de artistas que incluye a la música Amanda Palmer, los diseñadores Chip Kidd y Emily Oberman, el reportero gráfico Brandon Stanton, el dramaturgo Michael R. Jackson y la chef Christina Tosi.

La palabra creador de tendencias implica hacer algo nuevo, arriesgarse, arriesgarse, ser diferente. Lo contrario de ir a lo seguro. Entonces, sí, seguir a tu musa y usar tu voz, a veces puede dar miedo. En el segundo consejo de diseño, hablamos un poco sobre esa palabra de cuatro letras “miedo” y cómo aprender a bailar con ella en lugar de esconderse de ella. Esto es algo que el reportero gráfico Brandon Stanton tuvo que aprender a hacer, y hacerlo en el trabajo, nada menos.

Stanton es el hombre detrás del sitio web Humans of New York y los libros posteriores. Básicamente, Stanton encuentra a alguien en la calle, habla con él, le toma una foto y le cuenta su historia a su audiencia. Comenzó en Nueva York, pero desde entonces se ha trasladado a otras ciudades y otros países, incluido Pakistán. Deliberadamente, Stanton ha buscado vecindarios con mala reputación para demostrar que en estos lugares vive gente que no es diferente a usted y a mí. ¿Este chico? ¿El tipo con tatuajes cubriendo completamente su rostro? También tiene una rica vida interior, un corazón roto y esperanzas y sueños para el futuro.

Abordar a extraños en la calle no es algo fácil para Stanton. De hecho, la idea lo aterrorizaba. Pero como cualquier otra cosa, superar este miedo, o aprender a bailar con él, por así decirlo, resultó ser una habilidad aprendida. Algo que puede dominar simplemente haciéndolo, ganando experiencia positiva y, finalmente, ganando un nivel de comodidad.

Stanton aprendió fotografía por sí mismo de una manera similar. Al principio, simplemente lo abordó desde una perspectiva práctica. Tomaba 20 fotos de sus sujetos desde 20 ángulos diferentes. Supuso que al menos un par de ellos resultarían útiles más tarde. Con el tiempo, al observar los resultados y elegir sus favoritos, comenzó a reconocer una preferencia estética personal. Entonces se convirtió en 15 ángulos diferentes. Entonces diez. Luego cinco. No sucedió de la noche a la mañana, pero eventualmente dominó su miedo y su oficio, haciendo retratos sorprendentes y compartiendo historias poderosas.

Pero, ¿qué es una historia? ¿Cómo reconoces uno bueno cuando lo tienes? El dramaturgo Michael R. Jackson encuentra útil reducirlo a su esencia. El profesor de dramaturgia y escritura de guiones de Jackson le enseñó una taquigrafía útil: una historia es un personaje que quiere algo. Se les ponen obstáculos y logran, abandonan o no consiguen lo que quieren. Entonces, cuando el bloqueo del escritor comienza a establecerse, Jackson da un paso atrás y pregunta, ¿qué es lo que quieren? ¿Cómo van a tratar de conseguirlo? ¿Ganarán? ¿Perderán? ¿O cambiará el carácter y ya no tendrá ese deseo inicial? No es un mal consejo, ¿verdad?

La creatividad puede provenir de una combinación de confianza, duda y mantenerse fiel a sus creencias

Aquí estamos, en el sexto y último consejo de diseño, en el que vemos algunos de los grandes nombres, los “Visionarios”. Personas como el músico David Byrne, los artistas Marina Ambramović y Shepard Fairey, la ilustradora Maira Kalman, el productor de radio y podcasts Ira Glass y la curadora cultural de Internet Maria Popova. Todas estas personas, de una forma u otra, han cambiado el juego. Byrne y sus compañeros de banda en Talking Heads cambiaron el rock and roll. Ambramović cambió el arte moderno empujando los límites del arte escénico.

Shepard Fairey también está poniendo a prueba los límites, aunque de una manera diferente. En la década de 1980, a Fairey le gustaba el skate y el punk rock. Pero siempre tuvo interés en el arte y cuando comenzó a tomar clases de diseño gráfico y serigrafía, fue como si hubiera encontrado su verdadera vocación. Esto llevó a Fairey a hacer de las calles su galería preferida, colocando calcomanías y carteles hechos a mano.

Para Fairey, el arte callejero apelaba a su ética punk rock DIY. Pero también admite que no tenía la confianza suficiente para enviar muestras de su trabajo o asistir a reuniones, ni quería complacer a la gente elitista dentro del mundo de las bellas artes. De hecho, a pesar de que ahora es uno de los nombres de más alto perfil en el mundo del arte, eso es algo con lo que todavía no se siente cómodo. Esto ha causado cierta controversia ya que Fairey insiste en mantener su trabajo asequible para aquellos que todavía le importan: skaters, punk rockers, universitarios. Entonces, además de trabajar para marcas como Coca-Cola y Dewar’s Scotch, todavía gana dinero vendiendo camisetas y serigrafías de $35. Algunos podrían llamarlo un vendido, otros podrían llamarlo un rebelde que sigue jugando con sus propias reglas.

Fairey lo ve como un equilibrio delicado: decidir si aceptar un proyecto en función de sus propios méritos. No es diferente a consultar con los 12 pasos de Mitch Glaser. Tomó algunos conciertos de Coca-Cola y rechazó otros. Depende. Lo que importa es que tiene que ser capaz de respaldar la idea, al 100 por ciento.

Eso no significa que no puedas tener dudas. La diseñadora Maira Kalman ha escrito e ilustrado docenas de libros célebres, incluidos En busca de la felicidad y Los principios de la incertidumbre . Pero ella todavía considera que dudar e inquietarse es parte del proceso cotidiano. Como ella dice, “Creo que lo que hago es terrible. Estoy constantemente atormentado”. Pero para Kalman, es la dualidad del artista: ser increíblemente inseguro y ferozmente motivado. De ahí viene su creatividad: genera una especie de excitación frenética que produce un gran trabajo.

A Kalman, como a otros artistas que hemos cubierto, también le gusta una buena tarea. Ella no tiene el tipo de mente creativa que puede simplemente entrar al estudio y, de nuevo, sacar una idea fantástica del éter. Esta es la razón por la que Kalman disfrutó trabajando para publicaciones como el New Yorker y el New York Times . Podría ver su trabajo como periodismo: mirar el mundo, observar y enviar un informe ilustrado a la oficina.

En cierto modo, es como dijo el compositor Nico Muhly: tener una estructura reconocible en la que colgar tu arte ambicioso y estilizado. Quizás tenga sentido, entonces, que Kalman y Muhly colaboraran en una ópera titulada The Elements of Style .

Con suerte, estos fragmentos de las conversaciones de Millman le darán algunas ideas sobre cómo desarrollar su propio estilo, su propio sentido del diseño y la creatividad. Tal vez las ideas aquí te ayuden a encontrar tu voz y bailar con tu miedo.